Hatoyebe, pour moi, c’est vraiment le fanzine des bonnes surprises. Le genre de fanzine rare, celui que l’on trouve au détour d’un petit festival BD de province, là où on ne l’attendait pas, et qui, une fois ouvert, vous surprend encore davantage.

Je suis tombé sur Hatoyebe l’automne dernier à Tours durant le festival A Tours de bulles, je ne m’attendais pas un seul instant à trouver des fanzines mais le flair de l’agraphage que je suis m’a guidé jusqu’au stand de cette joyeuse équipe.

La couverture soignée a rapidement attiré mon oeil, les couleurs travaillées et la mise en page claire ont fait leur effet sur moi. Une fois le fanzine en mains, j’ai compris que c’était le tout premier numéro de l’équipe et qu’il était consacré aux contes de fées. Hatoyebe est donc un fanzine à thème, chaque numéro est et sera consacré à un nouveau thème. Si le sujet choisi pour ce premier numéro n’est pas spécialement original, les premières pages du fanzines, elles, attisent notre curiosité et nous poussent à le feuilleter entièrement.

Tous les contes sont revus et corrigés, souvent avec une bonne dose d’humour, quitte à tomber dans des interprétations totalement à l’opposé de leur versions initiales. De plus, chaque membre de l’équipe a développé son propre style, J-Psy semble assez influencé par la BD franco-belge à la Lanfeust, Samkat s’oriente vers de la BD plus graphique (à grands coups de brush) qui n’est pas sans rappeler le style de Benjamin, on retrouve également une influence manga assez marquée et, cependant, bien (di)gérée. En somme, c’est un sacré mélange, éclectique mais efficace grâce au thème qui donne une cohésion à l’ensemble. Et lorsque je parle d’éclectisme, ça ne s’arrête pas qu’aux styles graphiques, Youhna et Ji-soo nous proposent quelques légendes coréennes revues à leur sauce.

Hatoyebe #1 est bien loin des premiers numéros de fanzines bancals, dans lesquels il manque une page, dont l’agrafage laisse à désirer et dont la mise en page est plus que douteuse. L’équipe d’Hatoyebe a porté un soin particulier à son fanzine, à son impression, à son assemblage, à sa mise en page et à la qualité des travaux qui y sont présentés. Et en plus d’être douée, cette fine équipe n’es pas pingre ! A l’heure où le moindre fanzine de 28 pages (noir et blanc de surcroît) vous coûte un bras, Hatoyebe #1 ne vous coûtera que 3 malheureux euros !

Actuellement, l’équipe (productive!) d’Hatoyebe prépare son quatrième numéro, le principe reste le même : un nouveau thème pour chaque nouvel opus. Et si la plupart des BD sont des one-shot, d’autres sont à suivre d’un numéro à l’autre, le concept de développer un scénario sur les différents thèmes choisis semble tout à fait intéressant.

En bref
Hatoyebe c’est une équipe dynamique, sympathique, productive et un fanzine à thème de qualité à petit prix. Vivement la suite !

Quelques aperçus :

Si comme moi vous étiez de la partie, et que, comme moi, vous vous prenez à regretter de ne pas avoir eu l’esprit assez vagabondeur lors de l’édition 2008 de la Japan Expo (la plus grande convention d’Europe dédiée aux mangas, animes et peluches parlantes Pucca – est-il utile de le rappeler), sachez que vous avez parfaitement… Raison !

Toutes les journées de nos existences apportent leurs lots de découvertes ; et parmi certains, de vraies coquilles crépitantes, que l’on aurait aimé déterrer plus tôt. C’est le cas du petit À nu (qui déborde à peine d’une paume), distribué comme le vent et prétexte à participation à ce festival estival pour deux blogueuses en mal de sensations fortes.

Un peu de simplicité, dans ce monde de sauvageons : j’irai même jusqu’à dire un peu d’évidence, puisque c’est l’impression que procure ce recueil. Les expériences graphiques se succèdent, tous d’une grande finesse, d’un confort apparent. Ce qu’il y a de bien, avec ce genre d’éditions, c’est que l’intention était clairement énoncée dès le départ : présenter son travail aux passants curieux. Avec cette affirmation, on ne se monte pas le bourrichon ; on va à l’essentiel, c’est-à-dire les dessins.

Et les dessins d’Alice Lair et de Marielle Lebrun se complètent et s’auto-stimulent, parfois très similaires, parfois bien différents : reste que la cohérence est là, et que le tout fonctionne d’une traite, voire d’un jet. Cette homogénéité préserve en elle quelque chose comme de l’honnêteté minutieuse ou de l’humilité ; les petites historiettes s’enchâssant de manière légère et tout à fait naturelle.

En bref

Il faut forcément avoir hâte de suivre les avancées des deux conceptrices – qui ont finalement dissout leur embarcation de fortune après cette première expérimentation – et tirer une leçon importante de cette découverte rafraîchissante : toujours fouiller et rester curieux, même au beau milieu de la plus grande convention d’Europe et de ses montagnes de trousses clignotantes kitschissimes.
Le prix de vente, fixé à 5€, aurait pu prêter à confusion silencieuse : mais la reliure était faite main, et le papier délicat recouvrant ce recueil achevait de définir À nu comme un peu différent, et précieux.

Faire un fanzine, c’est du temps, c’est du travail, de l’implication (on l’espère pour ses créateurs) sincère et passionnée. Il ne semble jamais incongru de demander l’esquisse d’un geste pécuniaire aux lecteurs intéressés, ne serait-ce que pour encourager la démarche conceptrice : c’est pourquoi le webzine m’a toujours touchée et intriguée, en ce sens qu’il offre aux passants la possibilité de parcourir et d’emporter sur son disque, gratuitement, des semaines, peut-être des mois de travail compilé en volume plus ou moins cohérent. Loin de dénaturer la rançon quémandée par les autres fanzines en temps de festivals ou de vente par correspondance (pigeons voyageurs, bouteilles à la mer, téléportation…), déposer un webzine sur la toile, c’est probablement faire acte d’une forme de générosité : en cela, E-Crucify mérite déjà bien des tapes chaleureuses.

Dans ce deuxième numéro, pas de thème, mais une petite équipe concentrée qui soigne son propos et entremêle sur ses pages de pixels des morceaux d’histoires à poursuivre, tragiques ou hilarantes, aux tentatives originales (la fin du webzine est encore une fois à lire dans le sens japonais).
Passées la couverture et ses couleurs très engageantes, on retrouve donc Didizuka (si sa première histoire cinématique m’a laissée sur ma faim pour cause de nébulosité de mise en page, le graphisme marque un vrai devenir, avec une bonne maîtrise anatomique et un grand sens du détail ; la deuxième bande-dessinée, quant à elle, se paye le luxe d’un très bon encrage, souple et fluide), ou Lulu (délurée, légère ; les petites réflexions ponctuant ses récits semblant tout droit issues d’un bon vieux shôjô manga type Fruits Basket, qui étrangleraient un rire couinant dans une gorge contractée/déployée), mais découvre également de nouvelles venues, comme Dandy Yagi, qui semble apprécier l’écriture, qu’elle maîtrise avec une certaine finesse de ton (si le trait n’est pas spécialement abouti, la capacité de maintenir le lecteur sur son siège est déjà un encouragement certain).

En bref

E-Crucify #2 fait suite au mouvement impulsé dans le premier numéro : un dynamisme créateur, plein de motivation, pétillant, et une équipe productive qui use de la toile comme d’un grand coffre à jouets.
Quelques fautes d’orthographe éparses (… attention, certains seront impitoyables !), mais dans l’ensemble un fort bon moment dépensé… gratuitement

Lunarzine n°4 se présente sous la forme d’un numéro « Spécial Strips » où la gente féminine est mise à l’honneur. En effet, l’équipe a réuni 5 blogueuses aux styles divers et variés qui décrivent des scènes de la vie quotidienne (avec un petit côté fantastique via les strips d’Equinoxe et son personnage de vampire), tout ça saupoudré d’humour mais aussi d’illustrations des personnages et autres fanarts.

Visuellement parlant, on constate une nette évolution comparé aux numéros précédents, à commencer par la couverture épurée et plus agréable à l’œil. A l’intérieur, comme précisé dans l’édito, une charte graphique a été instaurée, ce qui rend le contenu plus harmonieux. On ne peut donc que saluer cette initiative à développer dans les prochains numéros.

Ce numéro spécial marque donc un tournant dans le parcours de Lunarzine, et laisse présager du bon pour la suite.

En bref

Lunarzine continue d’être un tremplin pour de nouveaux auteurs à découvrir, et, après une mise au point exposée dans l’édito qui semble porter ses fruits, bénéficie d’une meilleure présentation, ce qui joue en sa faveur.

Courte chronique que celle que vous vous apprêtez à parcourir : une brève plus qu’une chronique d’ailleurs, une pierre jetée dans une flaque pour vous éclabousser et réveiller vos pupilles : le nouveau printemps est bien là, et il est plus que temps de replonger nos mines d’Agrapheurs rabougries dans les découvertes fanzinesques, à défaut de réaliser en temps et en heures les avis demandés par formulaire (hum hum…).

Une brève pour un petit format, une brève pour de brefs récits drolatiques et humectant le vécu : Chez Roger, c’est l’histoire de Roger, un geek qui se trimballe toujours partout en peignoir, mais jamais sans sa manette de console de jeux. Roger vit dans un appartement avec sa sœur Laure, et le moins que l’on puisse constater est que sa vie n’est… pas compliqué. Car Roger n’est pas du genre à trop se prendre la tête ; son circuit quotidien, c’est pizza-jeux-vidéos-canapé, et la chose ne serait presque pas inquiétante s’il n’arrivait pas en plus à lier des contacts amicaux avec son entourage. Finalement les anti-héros, les paumés, les éternels échappés d’un autre monde détiennent toujours en eux quelque chose d’attachant, et ici Roger ne fera pas exception.

Avec un trait efficace, une narration fluide, limpide et lapidaire, Antonin mène la danse de ses personnages en seulement quelques cases par pages, à la manière d’une série de strips enchaînés ; pages qu’on dévore d’une traite, un sourire pendu jusqu’aux oreilles.

En bref

Une bonne découverte, un bon moment pour un prix très acceptable (2,50€), et des tas de plausibles anecdotes à venir (comment Roger fera-t-il face à une panne de courant ? Roger survivra-t-il à une indigestion de pizza aux câpres ? Se pourrait-il que Roger rencontre enfin un jour Alison Carroll autre part que dans un rêve ou un documentaire sur Game One?).
De quoi attendre la suite de pied ferme !

Il y a déjà quelques mois qu’Agraphages s’en allait en guerre, ses membres bien déterminés à conquérir le monde, le sur-monde, et puis l’au-delà. Il s’en est fallu de peu, mais le bilan à tirer sur papier chamois d’or ne relève que du positif (un plaisir d’écriture et de très sympathiques rencontres au coin d’un feu de forêt).
C’est par exemple à l’occasion du trente-sixième festival international de la bande-dessinée d’Angoulême que j’ai pu trébucher sur le stand du fanzine Gorgonzola, écrasant par ailleurs les phalanges de son protecteur, Maël Rannou, grand manitou incisif et déterminé, à la manière d’une locomotive qu’on aurait du mal à arrêter en gare. Maël Rannou, l’ombre derrière le volume, et son équipage d’infatigables, naviguent ici sur leur quatorzième numéro, à plus de quatre-vingt deux mains et tout autant d’ongles griffus (les chiffres ont leur pesant, c’est prouvé).

Après treize numéros publiés dans une régularité quasi-indiscutable, Gorgonzola s’est interrompu pour mieux revenir : à rythme différé désormais semestriel, mais comme d’un bloc neuf (chouette reliure, nombre de pages raffermi…). C’est qu’il faut faire face aux obligations du temps qualitatif, et c’est ce qui permet aux participations les plus tourbillonnantes comme les plus intrigantes de prendre ici place, sous l’égide d’une couverture semblant tout droit issue d’un mouvement graphique propagandiste qui marque l’esprit et ne délaisse pas indifférent. On retrouvera donc pêle-mêle entassés dans ce radical virage, les entrechats poétiques de Stanislas Gros (au trait doux et virevoltant), les chroniques d’un quotidien à plumes de Gilles Rochier, les tribulations conquérantes de Fribulde le Marin (guidé par Jzef, qui a su soulever ma cage thoracique de manière franche et… conquise ?), ou la nauséeuse expérience synaptique emmenée par Léo Quièvreux, tranchante comme un éclair, qui mélange habilement les trames et les bribes de trip cosmique allumé.
Les pages se suivent mais ne se ressemblent pas, au profit d’une fraîcheur de lecture souvent renouvelée : sont également à rappeler les noms de Vincent Lefebvre (qui joue du format comme de sa narration, en induisant le rôle du cadre en tromperie – c’est la multitude qui provoque le rire), le récit de voyage d’Olive Booger (avec sa narration agréable et vivante, qui n’est pas sans m’évoquer les techniques intrusives de données scientifiques dont use Marion Montaigne sur son blog Tu mourras moins bête), ou l’inébranlable Yvang, qui poinçonne nos pupilles de réflexions vibrantes d’abstraction et de trames acérées.

Le plus succulent restera pour ma part (fan indécrottable) la participation ténébreuse de Lionel Richerand : il faudrait dire l’inquiétante pression qui s’est emparée de moi, alors que je contemplais les visages ciselés, les ratures puissantes, l’implosion graphique bouillonnante. De l’effroi réjouissant, sous couvert d’absurde déroulement ; et la fin qui dégouline, rageuse, entre mythe réinterprété avec malice et dérapage violent.

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En bref

128 pages concentrées et éclatées que quarante-et-un auteurs grignotent dans un joyeux chaos : Gorgonzola #14 propose quelques pépites aux lecteurs avisés, et ce nouveau choix de format dénote une évolution durable, une volonté indéfectible de faire toujours mieux pour les temps à venir. Le risque à encourir étant qu’en mêlant ainsi tant de styles et de personnalités, les participations d’une ou deux pages se font parfois un peu frustrantes dans le sens qu’elles restent incomprises, ou que l’on éprouve comme l’impression de ne pas avoir le temps de s’y attacher pleinement. Nul besoin, du reste, d’encourager la course de la fière embardée de Gorgonzola, qui semble (telle une locomotive que l’on aurait du mal à interrompre en gare) bien décidé à expérimenter, découvrir, écarteler les genres pour se payer un champ d’action étendu, éclectique, et fourmillant.

Chercher l’étymologie d’un nom sorti de l’imagination foutraque de ses créateurs non moins crépitant, ce serait comme essayer de faire d’un poème de Queneau son étendard de vie : mais bon, ça se fait, ça s’est déjà vu, alors pourquoi pas, soyons fous.
Écarquillettes sonne à la manière d’une douce mélodie de cloche : c’est écarquiller, ouvrir, forcer un passage. Sans aller jusqu’à appeler à notre bon souvenir une variété de pâtes bien connue des enfants difficiles, on pourrait penser que le suffixe « illettes » n’est pas sans transporter dans son sillon le goût de la légèreté, d’une certaine gaîté – fragile mais faisant mouche. Pourquoi donc s’enticher de cette analyse préalable ? Parce que bien souvent, le nom d’un ouvrage aide à mieux empoigner son contenu, à aiguiller notre chemin ; ajoute à notre interprétation pour finalement devenir indéfectible de ce qu’elle renferme.

Et que renferme cette couverture soignée, sensée et aguichante (sérigraphiée nous dit-on en fin de lecture), si ce n’est une tenue de route digne et sensible, sans écart de style, dans une homogénéité à faire pâlir d’envie un grand bol de lait concentré ? Un palmarès de créateurs multiples, divers, mais s’enfuyant dans une même direction. S’il faut compter sur certaines participations d’une page ou deux, déconcertantes dans le sens qu’on en aurait parfois souhaité plus (je pense ici à Violaine Leroy ou Aurore Petit – j’ai eu beau tourner et retourner dans tous les sens mon exemplaire, les traces s’arrêtaient là…), sont à relever certaines pépites de trouvailles graphiques et scripturales, telles les inclinaisons de philosophie morbide de Baron Ours (sculpteur d’un noir et blanc tout à fait charmant), les métamorphoses (un thème dans le mouv’) traitées par Lucie Deroin et Lilas (pour la première, un gros coup d’organe cardiaque, un trait vraiment sensible et d’une grande finesse), la ligne maligne de Benjamin Adam dans Glou glou, non sans rappeler certains bons jours de Sempé (à la croisée du rêve flottant, en apesanteur inversée, dépouillé et un peu naïf), et les surprenantes contributions d’Élisa Géhin (qui joue du hibou comme Gotlib jouait des moustaches ou des couronnes, dans une élégante simplicité) ou Yann Le Bras (qui a su faire mon bonheur dans la contemplation silencieuse d’un travail d’une robuste finesse, presque minuscule mais coruscante).

Ajoutons à cela qu’il vous est possible, lecteurs de cette chronique et parcoureurs en tout genre, de jeter d’hors et déjà un œil (ou deux) sur l’Écarquillettes nouveau, via le site internet du fanzine. Et si mes doutes premiers quant au choix de cette lecture ont immédiatement disparu, c’est que tenir l’objet en mains fait chaud au cœur : papier de grande qualité, noirs profonds, format original un peu extraterrestre – l’Écarquillettes huitième du nom poursuit une ligne directrice claire qui trépigne en nos paumes loin des pixels de sa lecture internetique.

Pour 5€50, l’investissement se fait sans hésitation.

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En bref

Un « coin coupant » pointu et acéré, une présentation claire, classe, juste bien pensée, et une impression du feu de Zeus qui rendrait presque soupçonneux le fait de parler encore de fanzine (c’est qu’ils sont agaçants à la fin, ces gens). Écarquillettes entrouvre nos paupières à un huitième opus évident ; et c’est prouver encore qu’en ces temps, il n’est pas nécessaire de faire trop pour être efficace.

Remontons, si vous le voulez bien, le fil du temps qui s’infiltre et s’insurge : s’empêcher ici d’historiciser la chose serait commettre comme un acte de froide criminalité, alors qu’il y a tant à apprendre du tumultueux parcours d’Halbran.
Halbran, comme nous l’indique le TLF en son bon dévouement, est un substantif masculin désignant un jeune canard sauvage de l’année ( »Les jours de brume, il s’enfonçait dans un marais pour guetter les oies, les loutres et les halbrans » – Flaubert, St Julien l’Hospitalier, 1877). Un canard, donc, marque de fabrique, objet de licencieuse fascination, culte des participants, sigle du grand gourou et master of the commandeur José Roosevelt, navigateur en chef de ce fanzine à plumes. S’il est né d’un véritable besoin (comme expliqué ici, Halbran avait été élu pour recevoir en ses blanches pages les planches de la bande-dessinée A l’ombre des coquillages, pour cause de publication repoussée), Halbran s’est pris à son propre jeu, et a finalement su trouver son équilibre, en constatant la foultitude de lecteurs patientant ses nouvelles apparitions.

Et comment en vouloir décemment à une jeune pousse de canard, qui, qui plus est, transporte dans son envol la qualité et bien plus que l’on était en espérance d’attendre des productions de Roosevelt ? (cf. Les Éditions du Canard, bande d’agrapheurs – et ces sublimes peintures teintées de l’ombre Dali et Miro, ces sujets allégoriques, ces ouvertures sur un ailleurs de rêves et de couleurs !) Avec ce numéro vingtième, Halbran emporte sous son aile son carcan de participants habitués et malicieux, son fusil surréaliste chargé à bloc.
On navigue au gré du vent auprès des montagnes oniriques de Moute (j’ai toujours eu un faible pour ces histoires qui nous entraînent sans notre consentement sous le plus abyssale connecteur synaptique, un électrochoc du sens devenu non-sens, adieu narration pour un très bref instant, bonjour vide tentant – avant de retomber en un seul et même morceau), survolant à basse altitude les pérégrinations du très tordant Cyprien Savonette (Jean-Christophe Pol semble bien décidé à nous défendre de tout ennui – maîtrisant son trait, ses chutes et son écriture lyrique à souhait – coup de cœur pour ma part lorsque vient le temps de présenter les petites choses de la vie teintées de bizarrerie (la cuillère résistante au fond du lavabo, la feuille de salade qui entacherait même l’aura d’un Rodin…)).
On frôle de notre bec les saisissantes participations de Blÿnt, Otto, Anisse et Pierre Gram (si j’émets une modeste critique, m’achèvera-t-on ? Pour cette dernière, peut-être vaudrait-il mieux contraster un tant soit peu le noir et blanc, de sorte à ce que la ligne, fine, et ses détails, multiples, filent en exode et bondissent à nos yeux hagards).
Vient enfin l’instant de déclamer au monde qui défile sous nos griffes à quel point José Roosevelt est fou (de petits traits…) à quel point sa présence est comme l’organe cardiaque palpitant de cet halbran : je n’ai su que m’exclamer de confuses banalités à la lecture de son Ce (série par ailleurs également publiée en volumes entiers par les Éditions du Canard). Éructant la science et les références, jouant avec les cadres, les points de vue, les compositions et les clignements d’yeux, Ce oscille entre la douceur cotonneuse d’un cauchemar majestueux et la maîtrise rectiligne de statures Moebiusiennes ou Druillietiennes (vas-y, TLF, prends-toi ça dans tes dents binaires !). Le récit est fluide et immense, les dialogues énigmatiques, empreints de poésie : c’est sûrement folie que de parvenir à rendre fou de désir de suite le pauvre lecteur désarmé.

A noter pour clôturer ce clavardage, la présence en guest-star de mon grand favori, Tony Sandoval (quelle chance de trébucher sur le numéro où ce grand bonhomme fait un salut) ; ce qui ne peut que conforter encore dans l’idée que la confiance accordée à ce fanzine n’était pas mal placée.

En bref

Halbran, jeune canard sauvage, s’est fait les dents sur du consistant, du lourd, une formule chimique de béton armé donnée pour durer : un équipage de pros ou de presque pros bien destinés à le devenir. Malheur étant, vos Agrapheurs-chroniqueurs n’ont pour le moment pas mis la main sur la version papier de cet oiseau emporté ; en se contentant d’une lecture via petit écran, on peut néanmoins affirmer que l’achat en vaut la chandelle (7,50€ lorsque l’on est en quête d’une bonne fanzinothèque, soit le prix d’un mauvais manga pour près d’une chouette heure et demie de découvertes).

Mon conseil (et la marche qui je suivrai) serait de se repaitre de quelques Halbran avant d’attaquer de front les productions individuelles de Roosevelt – qui me font de l’œil taquin depuis des jours maintenant.
Demi-canard mais pas demi-fanzine ; Halbran maintient son rythme de croisière depuis cinq ans maintenant, et c’est sorte de satisfaction de savoir que de telles machineries caquètent encore et (on le souhaite) pour longtemps.

Avant d’attaquer de front cette médiocre chronique, je suis allée faire un tour à la cave, sortir la grosse encyclopédie Larousse en trente volumes qui me donnera une définition exacte du mot crachoir. Bilan de l’exhumation : « sorte de vase rempli de sable, de cendre, ou de sciure de bois, qu’on met dans un appartement ou dans un édifice public pour y cracher ». Solution alternative avec une mise en contexte idiomatique : « tenir le crachoir (Figuré) (Familier) Faire à soi tout seul les frais de la conversation. » Voilà qui est mieux, mais un mot tout de même : si Crachoir se paye le luxe de manier la conversation comme un machiniste met en marche ses rouages, il va falloir prêter main forte au livre et tendre les yeux, voire même s’en arracher l’orbite et miser sur une compréhension instinctive de l’absurde. Sinon, c’est la dérive, ou même pire, le naufrage couronné par vingt obscures années d’errance sur une île perdue du Pacifique.

Crachoir dépayse et casse littéralement les briques du bâtiment : le but n’est pas la finalité mais bien les pierres d’achoppement, soit des fragments qui pris individuellement revêtent un sens différent, souvent singulier, parfois contradictoire. Un sens censé ne pas exister, dixit les auteurs : c’est ce qu’ils dénomment un « alibi ». Pourtant, il arrive qu’il soit plus compliqué qu’il n’y paraisse de ne pas prendre au sérieux ce pacte : on a beau savoir que le fanzine assume sa part surréaliste, se voue à ses excès et poursuit une quête d’insensé, on se retrouve pour autant à se griller les neurones sur quelques unes de ses performances.

Performances de 19 auteurs pour un épais fanzine de 124 pages imprimé en noir et blanc, doté d’une couverture signée Lionel Richerand. Les participations graphiques pour la plupart, tirent profit du noir et blanc à la manière des auteurs publiés par  l’édition L’Association (si votre route a un jour croisé la sienne), travaillant beaucoup sur les contrastes, jeux de lumière et de formes, où l’absence de logique plan plan rappellera parfois celle caractéristique du rêve et du cauchemar. Crachoir propose également de vous mettre une veste avec des textes, de l’article fictivement vrai au conte débonnaire revisité du joueur de flûte de Hamelin par un Jzef hilarant à l’humour décalé et énergique. Difficile de démarquer toute l’écurie, mais on relèvera tout de même la robe de Laetitia B. faite de collages absurdes au kitsch intrigant, des Janusiens par Martin Lebrun, des illustrations sur un principe d’un personnage associé à une bulle et un mot. Ce dernier d’ailleurs pousse la réflexion à un paroxysme grâce à la nudité d’une bulle et le foisonnement affiché par l’illustration. Le tout presque d’autant plus frappant qu’il est disposé après une bande dessinée montage des aventures de Satanik à Lourdes par Fredox, bd surchargée en tout point (du lourd en répliques type polar Harlequin et mise en scène aussi épique, qu’improbable et irrévérencieuse) mais jouissive si l’aspect graphique ne vous détraque pas. Jeux sur la composition avec une suite de cases par Léo, où l’on ne peut pas s’empêcher de creuser le dessin à la recherche de significations, parfois capillotractées reconnaissons-le, mais c’est qu’à défaut de nous donner vraiment raison de s’échauffer le ciboulot, les agencements graphiques réussissent au moins à débrider le philosophe de comptoir qui se terre en nous. Enfin, on a du mal à croire à la futilité quand on se heurte aux malicieux dessins de Agnès Beuneux dont les références surréalistes (j’entends les types qui en ont pondu des montagnes au siècle dernier) ne manquent pas de relever un sourcil (Magritte à l’évidence, ou Picabia pour lequel les collègues ont ressorti des magazines Dada qui prenaient la lumière sur une étagère). Le tout est dense, d’une précision dantesque comme avec P’tit Marc ou bien les péripéties frappées du Destin d’Antoine par Yvang : vaudeville hilarant qu’Alfred Jarry et Boris Vian dans ses Trouble dans les andains n’auraient pas renié…

En bref

Crachoir, c’est donc bon à mettre entre toutes les mains, dès l’instant où vous êtes prévenus sur la qualité du produit : qualité indéniable, à moins d’être un fervent disciple de l’école Desproges, le concept de linéarité est ici introuvable, banni de son univers riche, inventif, parfois foutage de gueule, souvent provocateur. Hétérogène tout en se finissant les uns les autres : un bon indé qui éructe mais n’entache pas.

Le prix, 12 € peut rebuter si l’on pense fanzine, donc amateur, donc maraîcher du dimanche qui propose sa botte de poireaux poshère-poshère. Hélas, une sortie dominicale plus récente vous aurait appris que les bons produits se payent dorénavant, et Crachoir ne fait pas exception. C’est un investissement, difficile de le qualifier autrement en vue de la perle graphique et narrative (bien qu’il s’en défende…) qu’il constitue : on ne vous parlera bien entendu pas de la coloration ivoire du papier centaure 115 grammes, puisque le produit manufacturé demeure une énigme (pas pour longtemps qu’on se rassure). Si l’on ne vous poursuit pas avec des torches enflammées pour vous pousser à l’achat compulsif immédiat, c’est parce que la loi du pays dans lequel on publie cette chronique nous l’interdit (plus ou moins) : mais que sa lecture ne vous laisse aucun doute, Crachoir est pro, et on est pro-Crachoir ! (and so will you)